ODC : odyssey

Die erste Praxis entstand während einer Residenz in Wolfsburg, beim Festival Kunst in der Porschestraße. Der Fallschirm aus unserem Stück FEEDING BACK wurde zum Spaziergang nach draußen mitgenommen und verwandelte den städtischen Platz in eine windige Gemeinschaft. Einmal ausgebreitet, bläht sich das Objekt beim leisesten Lufthauch auf, hebt ab und wird zu einem großen Drachen, einer riesigen Qualle, einem schwebenden Gehirn oder einem Segel. Eine Gruppe von Tänzer*innen lenkt es und erkundet ohne Worte Kooperation und Anpassung an die Launen des Windes. Vom Wind choreografiert, folgen sie ihren Impulsen als Antwort auf diese sich ständig wandelnde, hypnotische Form. Sobald die ungeschriebenen Regeln gefunden sind, kann auch das Publikum einsteigen: mit dem Tuch tanzen, mitsegeln oder sogar die Kontrolle über das Objekt übernehmen.

Tänzerinnen treten in einen Dialog mit den Werken einer Ausstellung. Jeder wählt ein Werk und antwortet ihm mit dem Körper: intuitiv, intensiv, manchmal mit Humor, manchmal mit Trauer. Die Antwort wandert weiter durch die Gruppe, und jede neue Antwort verändert die vorige, wie ein Feedback, das von Körper zu Körper läuft. Jede*r nimmt einen anderen Platz in dieser Kette ein, und die Plätze wechseln ständig.

Zum ersten Mal gezeigt wurde die Praxis zur Finissage von Zur Nachahmung empfohlen – Expeditionen in Ästhetik und Nachhaltigkeit in Berlin, einer Ausstellung, deren Werke sich schwierigen Fragen zum Zustand unserer Welt stellten. Vor dem Modell eines solarbetriebenen elektrischen Stuhls sang eine Tänzerin „Non, je ne regrette rien“. Vor Schaufeln, geschmiedet aus dem Metall von Waffen, tanzte eine andere ein Erinnerungsritual. Neben einem blauen Brunnen aus Spazierstöcken wurde eine dritte einfach zur Meerjungfrau. Hier liegt die Spannung: in der Fähigkeit der Tänzer*innen, sich in jedes Werk einzufühlen und in den sozialen, kulturellen und ökologischen Kontext, aus dem es kommt – es zu ehren und es zu befragen.

Die Besucherinnen bewegen sich frei durch die Ausstellung und folgen den Tänzerinnen von Werk zu Werk, mit Neugier, mit Komplizenschaft, manchmal mit Überraschung. Viele sehen die Werke danach anders. Die Handys der Tänzerinnen zeichnen jede Antwort auf, sodass die Ausstellung durch die Augen der Performance dokumentiert wird. Gegen Ende werden die Handys zu Spiegeln für die Performerinnen selbst.

Dieselbe Praxis kann jedem Ort antworten – in Berlin antwortete sie auch einem Garten –, doch am schönsten entfaltet sie sich zwischen Kunstwerken. Unready Made #2 kann in andere Ausstellungen eingeladen werden, und das aufgezeichnete Material kann zu einem Film über die Ausstellung und ihre Antworten werden.

Vier Tänzer*innen schauen einer fünften Person zu. Schon ihre Aufmerksamkeit kann genügen, um etwas in Bewegung zu setzen: Wer an der Reihe ist, beginnt, und die anderen folgen, stützen, tragen und verlängern die Bewegung. Die Solistin oder der Solist wird zu ihrem Dirigenten.

Für die Person in der Mitte kann es ein Moment der Ermächtigung sein: ganz gesehen zu werden, zu führen, von einer ganzen Gruppe gehalten zu werden. Für die anderen ist es eine Praxis der Fürsorge und des aufmerksamen Zuhörens, sich ganz in den Dienst des Tanzes eines anderen zu stellen. Die Stimmung wechselt von Moment zu Moment und von Solo zu Solo: verspielt, zärtlich, manchmal intensiv. Durch das Stützen werden die inneren Empfindungen der tanzenden Person sichtbar, mit einer gewissen Transparenz.

Wenn die Solistin oder der Solist so weit ist, geht sie oder er auf eine der Helfenden zu, die zum nächsten Solo wird. Und der Kreis kann sich öffnen: Auch Besucher*innen können sich plötzlich von den vier getragen wiederfinden.

„Erkenne dich selbst“, steht am Tempel von Delphi. In Oracle ist der Körper das Orakel: Wer den eigenen emotionalen Körper kennenlernt, lernt einen großen Teil von sich selbst kennen.

In der Mitte steht eine Ansammlung von Synthesizern, Effektpedalen und Lautsprechern, live gespielt. Um sie herum kreist eine Gruppe von Tänzer*innen, langsam und ohne Unterbrechung. Ihre Bewegung kommt aus den Faszien: Sie spüren das durchgehende Netz in sich, folgen, wie eine Bewegung hindurchwandert, und lauschen dem, was unterwegs auftaucht. Empfindungen, Energien und Gefühle steigen auf und werden zu eigener Bewegung.

In diesem Prozess entdecken die Tänzerinnen ihre eigenen Gefühle und die Beziehungen zwischen ihnen. Eine Bewegung geht durch Resonanz oder Berührung von einem Körper zum anderen über; eine Spannung in einer Person findet eine Antwort in einer anderen. Was als inneres Lauschen beginnt, wird zu einem gemeinsamen, bis sich die Gruppe fast wie ein einziges Gewebe bewegt, in einem Zustand der Trance. Das Teilen und die Transparenz zwischen den Tänzerinnen tragen die Gruppe zu Freude und Begeisterung – und manchmal geht gleichzeitig jemand durch einen dunkleren Ort. Beides gehört zur Praxis.

Ab und zu tritt eine Tänzerin oder ein Tänzer an die Maschinen und dreht an einem Regler oder nimmt das Mikrofon, um einen Gedanken laut auszusprechen. Oracle kann drinnen wie draußen gezeigt werden.

Ein Händedruck, gedehnt über mehrere Minuten. Was als vertraute soziale Geste beginnt, wird zu einer Art, sich ineinander einzufühlen – und in die Absicht hinter der Geste. Langsam fällt der Bezug weg, und die Bewegung wird abstrakt: Über einen einzigen Berührungspunkt, die Hand, verschieben, verhandeln und lenken die beiden Tänzer*innen den ganzen Körper des anderen.

Der Händedruck macht das Machtspiel zwischen zwei Körpern sichtbar: Verführung, Unterwerfung, Dominanz und Einvernehmen, ständig neu verhandelt zwischen den beiden. Je feiner das Zuhören und je größer die Nähe, desto mehr leuchtet er. Fast wie ein Zungenkuss ausgeführt, macht die einfache Geste die beiden verletzlich füreinander und öffnet dem Publikum einen Weg, in ihre Seelen zu blicken.

In der Fassung im Video und zur Eröffnung von ODYSSÉES IMPRESSIONNISTES hören die beiden zuerst ein Interview aus den 1960er-Jahren mit der Schriftstellerin Joyce Carol Oates, die gefragt wird, ob es Gewalt im Menschen gibt. Sie bejaht es – wenn die Beweggründe halb bewusst sind. Dann geben sie sich die Hand, und eine pochende Musik aus Anstiegen und Abstürzen verzerrt die Absichten von Verhandlung und Einvernehmen zwischen ihnen.

Eine Zuschauerin oder ein Passant wird zu einem Gespräch unter vier Augen mit einer Tänzerin oder einem Tänzer eingeladen, ein wenig abseits: in einer Ecke des Raums oder unter der Bühne sitzend. Am Ende des Gesprächs schenkt die Tänzerin oder der Tänzer der Person einen Tanz, der mit dem Gesagten zu tun hat.

Durchscheinende Polycarbonatplatten, leicht genug zum Tragen, groß genug, um einen Raum zu bilden. Sie stammen aus unserem Stück Raumfelder – Champs d’espaces (2017), in dem das Bauen mit ihnen eine Szene unter anderen war. Hier wird das freie Bauen zum ganzen Werk: Die Tänzer*innen bauen, lehnen, balancieren und zerlegen immer neue Architekturen – Wände, Dächer, Tore, Tische –, stets nur eine Geste vom Einsturz entfernt.

Die Idee dahinter stammt aus dem früheren Stück: Wenn wir Raum deutlicher wahrnehmen, verschiebt sich unsere Aufmerksamkeit für die Zeit in die Gegenwart. Die Platten schärfen diese Wahrnehmung. Vor ihrer gleichmäßigen Kunststoffoberfläche treten die Umrisse von Haut und Körper hervor: das Organische neben dem Gemachten.

Für das Publikum gibt es keine Regeln. In Le Havre kamen die Kinder der Besucherinnen einfach herein, trugen Platten mit den Tänzerinnen und krochen unter die Dächer, die sie gebaut hatten, während die meisten Erwachsenen am Rand blieben und zusahen. Die Tänzer*innen achten auf die Strukturen, um die Menschen in der Nähe zu schützen; bei mehr Abstand darf auch einmal etwas einstürzen, wenn der Moment es verlangt. Die Zerbrechlichkeit bleibt.

House of Cards kann zwanzig Minuten oder mehrere Stunden dauern, mit oder ohne Live-Sound.